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jueves, 10 de julio de 2014

Las Tres Caras Del Miedo (I Tre Volti Della Paura, 1963, Mario Bava) ; Nashville (1975, Robert Altman) ; Vidas Cruzadas (Short Cuts, 1993, Robert Altman)

Tan pronto como Pulp Fiction llegó a las salas, en 1994, todos los focos se centraron en la peculiar estructura narrativa de la película, construída en buena medida sobre rupturas temporales e historias cruzadas, imbricadas las unas en las otras.

El guión de Tarantino y Roger Avary es, de hecho, un auténtico reloj de precisión en ese sentido, pero de ningún modo presentaba soluciones novedosas. 

No es raro que la memoria cinematográfica, a la hora de pensar en películas planificadas sobre el concepto de "historias cruzadas", nos lleve hasta La Ronda (La Ronde, 1950, Max Ophuls) como ejemplo particularmente brillante de carrusel narrativo, pero Tarantino nos pone igualmente sobre otras pistas.

Uno de los más importantes detonantes de Pulp Fiction, en ese sentido y según las palabras del propio Tarantino, es Las Tres Caras Del Miedo (I Tre Volti Della Paura, 1963, Mario Bava), modelo esencial del director de Knoxville:



"(con Pulp Fiction) pensaba que estaba escribiendo una antología sobre cine negro. Lo que Mario Bava hizo con el cine de terror, yo lo haría con el cine negro" (Q.T)


El lector que conozca la película de Bava recordará su planteamiento: tres cuentos de terror independientes, de una media hora cada uno, cuyo único vínculo es el de inscribirse dentro de un género determinado. Tarantino tenía el concepto en mente, pero necesitaba retorcerlo, estirarlo, dar forma a algo más ambicioso. El resultado fue Pulp Fiction: una obra compuesta por cuatro historias, también inscritas en un género determinado (el cine negro), pero no independientes, sino atravesadas las unas por las otras.

Al mismo tiempo, Tarantino se sentía cercano al espíritu de otras dos películas corales, con una serie de historias trenzadas: Nashville (1975) y Vidas Cruzadas (Short Cuts, 1993), ambas de Robert Altman, la segunda (basada en una serie de relatos de Raymond Carver) estrenada tan sólo un año antes que Pulp Fiction:




"(Cuando Pulp Fiction) termina, te sientes como si hubieras visto una historia acerca de una comunidad de personajes, como Nashville o Vidas Cruzadas, donde las historias son secundarias. La mía es una aproximación muy diferente, ya que las historias son primordiales, no son secundarias, pero el efecto es el mismo" (Q.T)


Por último, apuntemos un ascendente literario, en principio insospechado, de Pulp Fiction: el J.D Salinger de Nueve Cuentos, Franny y Zooey, Levantad Carpinteros La Viga Maestra y Seymour: Una Introducción. Es decir, una serie de relatos vinculados entre sí por la aparición en todos ellos de "la familia Glass", los más célebres personajes creados por el escritor (por supuesto, inmediatamente después de Holden Cauldfield):



"Pronto me sedujo la idea de hacer lo que hizo Salinger con sus relatos de la familia Glass, donde todos ellos contribuyen a una historia única, con los personajes entrando y saliendo. Es algo que pueden hacer los novelistas porque son propietarios de sus personajes, pueden escribir una novela y hacer reaparecer en ella a un personaje de hace tres novelas" (Q.T)

Psicosis (Psycho, 1960, Alfred Hitchcock)

Correspondencias:

Pulp Fiction

Psicosis





Modesty Blaise, Superagente Femenina (Modesty Blaise, 1966, Joseph Losey)

En 1994, Quentin Tarantino popularizó el concepto "pulp" ("revista o libro, que contiene material escabroso o sensacionalista, característicamente impreso en papel basto, sin refinar") entre el público generalista, poco o nada familiarizado con la jerga asociada al género noir y la cultura de serie B. 

La idea inicial de "Pulp Fiction", de hecho, estaba directamente conectada con el espíritu de las viejas novelas policíacas de kiosko, y buena parte de ese sustrato es fácilmente identificable en la película: lo encontramos en la pareja de gángsters formada por Vincent y Jules, en la figura arquetípica de la chica del jefe encarnada por Mia Wallace, en la subtrama del combate de boxeo amañado, en la estética 50's del restaurante Jack Rabbit Slim's al que acuden Vincent y Mia, o en la joven y romántica pareja de atracadores formada por Pumkin y Honey Bunny.

Sabemos también, y ésto es revelador, que el primer título que Tarantino y Roger Avary pensaron para el proyecto no era otro que The Black Mask, en honor a la antigua revista de pulp policíaco del mismo nombre, cuyos derechos llegaron a estar al servicio de Quentin:




Un homenaje directo y concreto a esta subcultura literaria es detectable, para el espectador atento, en uno de los momentos clave del film. Taratino lo inserta en el momento en que Butch (Bruce Willis) acude a su apartamento, para recuperar el reloj de bolsillo de su padre, y sorprende (para después dispararle a bocajarro) a Vincent (John Travolta) sentado en el cuarto de baño, leyendo una novela de Modesty Blaise:




El personaje de Modesty Blaise, protagonista de una tira de prensa creada por el guionista Peter O'Donell y el dibujante Jim Holdaway en 1963, es un viejo conocido para los amantes de la cultura pop de los años 60: una especie de James Bond femenino, con pasado criminal, cuyo éxito se extendió como la pólvora a lo largo de un buen número de tebeos, relatos y películas entre 1965 y 2003.

Tira cómica original de Modesty Blaise


Por supuesto, hablando de Tarantino, siempre hay una referencia cinéfila a la que acudir. En este caso, es necesario aludir a la primera adaptación cinematográfica del personaje de O'Donell / Holdaway, que presuponemos una influencia clave en el imaginario del director de Knoxville. La protagonizó Monica Vitti en 1966, y se trata de una fantasía camp conocida en nuestro país como Modesty Blaise, Superagente Femenino (1966, Joseph Losey):




viernes, 13 de diciembre de 2013

Goldy El Chulo (The Mack, 1973, Michael Campus) ; La Matanza De Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1975, Tobe Hooper) ; Zombi (Dawn Of The Dead, 1978, George A. Romero)

En 2009, Quentin Tarantino recopiló para la web The Deuce: Grindhouse Cinema Database sus veinte películas grindhouse favoritas. Alternando clásicos populares y títulos arcanos, Tarantino incluyó dentro del Top 5 el blaxpoitation Goldy El Chulo (The Mack, 1973, Michael Campus), protagonizado por el cómico Richard Pryor.


Con esta elección, Tarantino estaba rubricando de nuevo su amor por un film al que ya había tributado, más de quince años antes, en el guión de True Tomance.

En efecto, The Mack es la película que están proyectando en el club de Drexl (Gary Oldman) cuando Clarence (Christian Slater) va a recoger las pertenencias de Alabama (Patricia Arquette).



La lista completa de clásicos grindhouse imprescindibles elaborada por Tarantino es la siguiente:

1. La Matanza De Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1975, Tobe Hooper)


Tarantino desliza un pequeño homenaje, muy obvio, a esta obra maestra del slasher en Pulp Fiction, cuando Butch (Bruce Willis) sopesa la idea de empuñar una sierra mecánica para liberar a Marcellus (Ving Rhames) del sótano de la tienda de segunda mano en la que ha sido capturado.



2. Zombi (Dawn Of The Dead, 1978, George A. Romero)


Este clásico del cine de terror está ligado al anecdotario de juventud de Quentin Tarantino. Recordemos que, al inicio de su carrera, Quentin "maquilló" su curriculum para conseguir trabajos como actor, asegurando haber trabajado como intérprete en películas tan dispares como ésta o el King Lear (1978) de Jean-Luc Godard.


3. La Noche De Los Muertos Vivientes (Night Of The Living Dead, 1968, George A. Romero)

4. La Noche De Halloween (Halloween, 1978, John Carpenter)

5. Coffy (1973, Jack Hill)

6. El Ex-Preso De Corea (Rolling Thunder, 1977, John Flynn)

7. De Profesión Invencible (Five Fingers Of Death, 1972, Chang-Hwa Jong)

8. Goldy El Chulo (The Mack, 1973, Michael Campus)

9. The Girl From Starship Venus (1975, Derek Ford)

10. La Última Casa A La Izquierda (The Last House On The Left, 1972, Wes Craven)

11. El Luchador Manco 2 (Master Of The Flying Guillotine, 1975, Yu Wang)

12. Secuestro De Una Mujer (Il Boss, 1973, Fernando Di Leo)

13. The Street Fighter / Return Of The Street Fighter / The Street Fighter's Last Revenge (1974, Shigehiro Ozawa)


En este punto, Tarantino considera que la trilogía del luchador callejero de Sonny Chiba debería ser tomada "como una única película".


14. Siete Notas En Negro (The Psychic, 1977, Lucio Fulci)

15. La Dama De Rojo (The Lady In Red, 1979, Lewis Teague)

16. Thriller: A Cruel Picture (1974, Bo Arne Vibenius)

17. Suspiria (1976, Dario Argento)

18. El Boxeador Chino (The Chinese Boxer, 1970, Jimmy Wang Yu)

19. The Savage Seven (1968, Richard Rush)

20. Las Chicas Del Pom Pom (The Pom Pom Girls, 1976, Joseph Ruben)

viernes, 29 de noviembre de 2013

The Bodyguard (1973, Tatsuichi Takamori y Simon Nuchtern) ; Forajidos (The Killers, 1946, Robert Siodmak)

El speech bíblico (Ezequiel 25:17) con el que Jules (Samuel L. Jackson) arenga a sus víctimas antes de dispararles es una de las marcas más reconocibles, citadas y recordadas del guión de Pulp Fiction:


Como (casi) siempre en el mundo de Tarantino, aquí también podemos citar una fuente: el director únicamente recoge este pasaje del arranque de la película de Sonny Chiba The Bodyguard (1973, Tatsuichi Takamori y Simon Nuchtern), realojándolo en su propio guión.

Así se inicia la versión norteamericana de The Bodyguard, con la famosa cita bíblica impresa en pantalla:


Sigamos: Jules cita este pasaje por primera vez cuando, acompañado de Vincent (John Travolta), los dos gángsters irrumpen en el apartamento de Brett y sus amigos para recuperar el misterioso maletín de Marcellus Wallace (Ving Rhames). Durante este tramo de película, encontramos también resonancias de otro film: Forajidos (The Killers), el noir de 1946 dirigido por Robert Siodmak y protagonizado por Burt Lancaster.

En los dos títulos tenemos a una pareja de matones trajeados que entran en un edificio para eliminar a un tercero. Pero, sobre todo, encontramos una composición lumínica relativamente parecida, con esas sombras de luz en la pared y los fogonazos que literalmente bañan la pantalla durante los tiroteos. Además, ninguna de las dos películas se desarrolla linealmente. Pulp Fiction está recorrida por la fragmentación temporal y las rupturas de continuidad, y Forajidos se construye sobre flashbacks.

Pulp Fiction:





Forajidos:





lunes, 25 de noviembre de 2013

Rio Bravo (1959, Howard Hawks) ; Banda Aparte (Bande À Part, 1964, Jean-Luc Godard) ; Matt Helm Agente Muy Especial (Murderer's Row, 1966, Henry Levin) ; Vivir Sin Aliento (Breathless, 1983, Jim McBride) ; Corazones De Hierro (Casualties Of War, 1989, Brian De Palma) ; The Dukes Of Hazzard (1979-1985) ; El Desafío De Las Águilas (Where Eagles Dare, 1969, Brian G. Hutton) ; El Gran Miércoles (Big Wednesday, 1978, John Millius) ; The Big Bird Cage (1972, Jack Hill)

Fetiches.

-Imágenes de Quentin Tarantino en su apartamento de West Hollywood, 1994. Capturas del documental de la BBC Hollywood's Boy Wonder (1994)-

Carteles de cine en el apartamento de Tarantino, durante la época Pulp Fiction. Detrás del director vemos los posters de Rio Bravo (1959, Howard Hawks)y Banda Aparte (Bande À Part, 1964, Jean-Luc Godard), así como el cartel alemán de la película Matt Helm, Agente Muy Especial (Murderer's Row, 1966, Henry Levin).



Durante otros tramos del mismo documental, Tarantino muestra fragmentos en vídeo de dos películas muy influyentes en sus primeros años como cineasta. A ellas nos referimos ya en otras entradas de este blog. Una es Vivir Sin Aliento (Breathless, 1983, Jim McBride) -remake estadounidense de Al Final De La Escapada (À Bout De Souffle, 1960, Jean-Luc Godard)-, de la que Tarantino tomó buena nota sobre cómo introducir referencias pop en sus propios films...


...y otra es la película bélica Corazones De Hierro (Casualties Of War, 1989, Brian De Palma), un título muy importante para entender los fundamentos de la relación entre el Sr. Blanco (Harvey Keitel) y el Sr. Naranja (Tim Roth) en Reservoir Dogs.



En la captura siguiente, Quentin muestra a cámara un muñeco articulado de la serie televisiva norteamericana The Dukes Of Hazzard (1979-1985). En concreto, la figura correspondiente al personaje del Sheriff Rosco Coltrane, interpretado en la pequeña pantalla por el actor James Best. Primera conexión: Tarantino tomó clases de actuación en la escuela de actuación de James Best durante dos años.


Rastreando en la obra de Quentin podemos encontrar, además, al menos otros dos homenajes a The Dukes Of Hazzard. En su doble episodio televisivo para la serie CSI: Crime Scene Investigation (capítulos 116 y 117), conocido conjuntamente como Peligro Sepulcral (Grave Danger, 2005), Tarantino muestra un viejo juego de mesa de The Dukes...


...y en Django Desencadenado reserva un pequeño papel para Tom Wopat (Luke Duke en los Dukes), quien da vida al marshall Gil Tatum:

Tom Wopat como Luke Duke en The Dukes Of Hazzard

Tom Wopat como Gil Tatum en Django Desencadenado


Entre los fetiches mostrados por Tarantino en Hollywood's Boy Wonder también hay lugar para las bandas sonoras de dos películas muy importantes en su formación como aficionado y cineasta. En estas capturas, Quentin nos enseña sus ejemplares de la BSO de El Desafío De Las Águilas (Where Eagles Dare, 1969, Brian G. Hutton) -"mi película guys-in-a-mission favorita..."-


...y de El Gran Miércoles (Big Wednesday, 1978, John Millius), el fabuloso drama ambientado en la comunidad surf de California.



Y para terminar, otro cartel: Quentin posa orgulloso con el poster de una de sus blaxpoitations predilectas, la película de Pam Grier dirigida por Jack Hill The Big Bird Cage (1972).


viernes, 15 de noviembre de 2013

El Beso Mortal (Kiss Me Deadly, 1955, Robert Aldrich)

Durante mucho tiempo, el maletín luminoso que Vincent (John Travolta) abre ante Jules (Samuel L. Jackson) y Jules ante Pumpkin (Tim Roth) fue el macguffin más discutido entre los fans de Pulp Fiction. ¿Qué contenía el maletín? ¿Por qué resplandecía su interior al abrirlo? Se conjeturó hasta el absurdo: el contenido podía ser el alma de su dueño, Marcellus Wallace (Ving Rhames), podían ser diamantes, podía ser cualquier cosa, cada una tan improbable como perfectamente posible.



Finalmente se reveló el misterio: lo que había dentro del maletín era otra referencia cinematográfica de Tarantino. En concreto, una cita al oscuro y paranoico noir de los años cincuenta El Beso Mortal (Kiss Me Deadly, 1955, Robert Aldrich). Toda la película de Aldrich giraba en torno a la obsesión de los personajes por un misterioso maletín. Finalmente, el maletín se abría, emitiendo el letal resplandor del materia radioactivo que escondía dentro.



miércoles, 6 de noviembre de 2013

Al Final De La Escapada (À Bout De Souffle, Jean-Luc Godard, 1960) ; Banda Aparte (Bande Á Part, Jean-Luc Godard, 1964) ; Vivir Sin Aliento (Breathless, Jim McBride, 1983)

Tarantino descubrió el cine de Jean-Luc Godard  entre principios y mediados de los años ochenta, en el marco de una retrospectiva del director franco-suizo organizada por una sala de Lo Ángeles. La primera película que vio fue El Soldadito (Le Petit Soldat, 1963), y repitió horas después con Al Final De La Escapada  Bout De Souffle, 1960), de la que salió literalmente conmocionado. Volvería noche tras noche hasta completar el ciclo, sintiendo el aguijonazo definitivo que le iba a empujar a construir su propia carrera como cineasta.

Lo que atrapó a Tarantino de Godard fue la sensación de libertad que transmitían su cine: la certeza de que, si uno quería hacer su propia película, sólo tenía que salir a la calle con una cámara y filmarla. Como él, Godard era un cinéfilo desprejuiciado. Alguien que cogía los códigos de un género y los subvertía a su antojo, desde la más absoluta heterodoxia.

El autor de Vivir Su Vida (Vivre Sa Vie, 1962) atraviesa poderosamente toda la obra de Tarantino. Está presente, por ejemplo, en la dilatación de diálogos y situaciones, llevadas al extremo en la película más teórica y radical de Quentin, Death Proof (2007). También en las referencias culturales que desbordan sus respectivas películas: Godard inserta contínuamente referencias literarias, pictóricas, cinematográficas; los personajes de Tarantino, por su parte, son generadores obsesivos de comentarios sobre series televisivas, películas, tebeos o música. Ambos aman el reciclaje. Ambos trabajan a menudo con estereotipos alterados (Belmondo / Bogart en Al Final De La Escapada, frente a Christian Slater / Elvis Presley en Amor A Quemarropa). Tarantino es, en cierto modo, un cineasta de la nouvelle vague desubicado temporal y geográficamente.

Otras conexiones:

* Tarantino y el productor norteamericano Lawrence Bender fundaron en 1994 la productora A Band Apart, que funcionó de forma activa hasta 2006. La bautizaron, claro, a partir de un título de Jean-Luc Godard: Banda Aparte (Bande À Part, 1964).



* Como apuntamos en la entrada correspondiente, el famoso twist de Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent Vega (John Travolta) en Pulp Fiction está parcialmente inspirado en el baile improvisado entre Anna  Karina, Claude Brasseur y Sami Fey en Banda Aparte.

* Tarantino es un gran fan de Vivir Sin Aliento (Breathless, Jim McBride, 1983), el remake norteamericano de Al Final De La Escapada, protagonizado por Richard Gere y Valérie Kaprisky. Este título fue, de hecho, una de las influencias más poderosas al principio de su carrera. Tal como reconocería posteriormente, "he aquí una película que satisface completamente todas mis obsesiones: los tebeos, la música rockabilly y el cine". Vivir Sin Aliento fue, además, uno de los modelos claros en el abordaje del guión de True Romance, la historia de Tarantino dirigida por Tony Scott en 1993.