Goldy El Chulo (The Mack, 1973, Michael Campus) ; La Matanza De Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1975, Tobe Hooper) ; Zombi (Dawn Of The Dead, 1978, George A. Romero)

En 2009, Quentin Tarantino recopiló para la web The Deuce: Grindhouse Cinema Database sus veinte películas grindhouse favoritas. Alternando clásicos populares y títulos arcanos, Tarantino incluyó dentro del Top 5 el blaxpoitation Goldy El Chulo (The Mack, 1973, Michael Campus), protagonizado por el cómico Richard Pryor.

Con esta elección, Tarantino estaba rubricando de nuevo su amor por un film al que ya había tributado, más de quince años antes, en el guión de True Tomance.

En efecto, The Mack es la película que están proyectando en el club de Drexl (Gary Oldman) cuando Clarence (Christian Slater) va a recoger las pertenencias de Alabama (Patricia Arquette).

La lista completa de clásicos grindhouse imprescindibles elaborada por Tarantino es la siguiente:

1. La Matanza De Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1975, Tobe Hooper)

Tarantino desliza un pequeño homenaje, muy obvio, a esta obra maestra del slasher en Pulp Fiction, cuando Butch (Bruce Willis) sopesa la idea de empuñar una sierra mecánica para liberar a Marcellus (Ving Rhames) del sótano de la tienda de segunda mano en la que ha sido capturado.

2. Zombi (Dawn Of The Dead, 1978, George A. Romero)

Este clásico del cine de terror está ligado al anecdotario de juventud de Quentin Tarantino. Recordemos que, al inicio de su carrera, Quentin "maquilló" su curriculum para conseguir trabajos como actor, asegurando haber trabajado como intérprete en películas tan dispares como ésta o el King Lear (1978) de Jean-Luc Godard.

3. La Noche De Los Muertos Vivientes (Night Of The Living Dead, 1968, George A. Romero)

4. La Noche De Halloween (Halloween, 1978, John Carpenter)

5. Coffy (1973, Jack Hill)

6. El Ex-Preso De Corea (Rolling Thunder, 1977, John Flynn)

7. De Profesión Invencible (Five Fingers Of Death, 1972, Chang-Hwa Jong)

8. Goldy El Chulo (The Mack, 1973, Michael Campus)

9. The Girl From Starship Venus (1975, Derek Ford)

10. La Última Casa A La Izquierda (The Last House On The Left, 1972, Wes Craven)

11. El Luchador Manco 2 (Master Of The Flying Guillotine, 1975, Yu Wang)

12. Secuestro De Una Mujer (Il Boss, 1973, Fernando Di Leo)

13. The Street Fighter / Return Of The Street Fighter / The Street Fighter's Last Revenge (1974, Shigehiro Ozawa)

En este punto, Tarantino considera que la trilogía del luchador callejero de Sonny Chiba debería ser tomada "como una única película".

14. Siete Notas En Negro (The Psychic, 1977, Lucio Fulci)

15. La Dama De Rojo (The Lady In Red, 1979, Lewis Teague)

16. Thriller: A Cruel Picture (1974, Bo Arne Vibenius)

17. Suspiria (1976, Dario Argento)

18. El Boxeador Chino (The Chinese Boxer, 1970, Jimmy Wang Yu)

19. The Savage Seven (1968, Richard Rush)

20. Las Chicas Del Pom Pom (The Pom Pom Girls, 1976, Joseph Ruben)

Malas Tierras (Badlands, 1973, Terrence Malick) ; Sangre Fácil (Blood Simple, 1984, Joel & Ethan Coen)

En su primer guión (1987), True Romance, llevado a la pantalla por Tony Scott en 1993, Tarantino reutilizó esquemas de dos películas para enmarcar su propio relato.

El concepto de la joven pareja empujada a emprender una huída, así como la insistente partitura de Carl Orff y la voz en off de la chica protagonista recorriendo el relato, son herederos directos de Malas Tierras (Badlands, 1973, Terrence Malick), uno de los títulos emblemáticos del llamado "nuevo Hollywood". 

True Romance

Malas Tierras

Durante la concepción de True Romance, Tarantino también tomó buena nota del entonces reciente debut de lo hermanos Coen, Sangre Fácil (Blood Simple, 1984, Joel & Ethan Coen). Es cierto que ambas historias solo comparten el elemento de una-pareja-en-apuros, amenazada de distintas formas, pero Tarantino llegó a declarar abiertamente que su idea era dirigir él mismo True Romance, y hacerlo "al estilo de los hermanos Coen". Es decir, creando un producto de género, pero renovador, desde el terreno de la más estricta independencia.

El Rock De La Cárcel (Jailhouse Rock, 1957, Richard Thorpe) ; Sueños De Un Seductor (Play It Again Sam, 1972, Herbert Ross)

Elvis Presley es el icono pop de mayor peso específico en el guión de True Romance. La fascinación que el personaje de Clarence Worley (Christian Slater) siente por él sobrevuela todo el relato, llegando a convertirse en una especie de sensei a lo largo de la trama.

De forma específica, Clarence alude a la película de Elvis El Rock De La Cárcel (Jailhouse Rock, 1957, Richard Thorpe) como un compendio de todas sus enseñanzas:

"En El Rock De La Cárcel él representaba todo aquello en lo que consiste el rockabilly. Quiero decir..,él ES el rockabilly: malo, mezquino, obsceno, grosero. En esa película, nada de lo que ocurría podía importarle, salvo el rock'n'roll, vivir deprisa, morir joven y dejar un hermoso cadáver. Cuando le veo, te aseguro que me muero por ser tan malo".

Tarantino incorpora incluso, en el guión de True Romance, la figura del espectro de Elvis: un fantasma (interpretado por Val Kilmer) que se aparece a Clarence en los momentos críticos, ayudándole a tomar las decisiones correctas en cada momento.

La idea del mito-consejero que se presenta al protagonista en forma de fantasma está tomado (en una inspiración reconocida por Tarantino) de la película Sueños De Un Seductor (Play It Again Sam, 1972, Herbert Ross). En ella, el espectro de Humphrey Bogart acude en la ayuda de un patoso Woody Allen para ayudarle a tener éxito con las mujeres.

Al Final De La Escapada (À Bout De Souffle, Jean-Luc Godard, 1960) ; Banda Aparte (Bande Á Part, Jean-Luc Godard, 1964) ; Vivir Sin Aliento (Breathless, Jim McBride, 1983)

Tarantino descubrió el cine de Jean-Luc Godard  entre principios y mediados de los años ochenta, en el marco de una retrospectiva del director franco-suizo organizada por una sala de Lo Ángeles. La primera película que vio fue El Soldadito (Le Petit Soldat, 1963), y repitió horas después con Al Final De La Escapada (À Bout De Souffle, 1960), de la que salió literalmente conmocionado. Volvería noche tras noche hasta completar el ciclo, sintiendo el aguijonazo definitivo que le iba a empujar a construir su propia carrera como cineasta.

Lo que atrapó a Tarantino de Godard fue la sensación de libertad que transmitían su cine: la certeza de que, si uno quería hacer su propia película, sólo tenía que salir a la calle con una cámara y filmarla. Como él, Godard era un cinéfilo desprejuiciado. Alguien que cogía los códigos de un género y los subvertía a su antojo, desde la más absoluta heterodoxia.

El autor de Vivir Su Vida (Vivre Sa Vie, 1962) atraviesa poderosamente toda la obra de Tarantino. Está presente, por ejemplo, en la dilatación de diálogos y situaciones, llevadas al extremo en la película más teórica y radical de Quentin, Death Proof (2007). También en las referencias culturales que desbordan sus respectivas películas: Godard inserta contínuamente referencias literarias, pictóricas, cinematográficas; los personajes de Tarantino, por su parte, son generadores obsesivos de comentarios sobre series televisivas, películas, tebeos o música. Ambos aman el reciclaje. Ambos trabajan a menudo con estereotipos alterados (Belmondo / Bogart en Al Final De La Escapada, frente a Christian Slater / Elvis Presley en Amor A Quemarropa). Tarantino es, en cierto modo, un cineasta de la nouvelle vague desubicado temporal y geográficamente.

Otras conexiones:

* Tarantino y el productor norteamericano Lawrence Bender fundaron en 1994 la productora A Band Apart, que funcionó de forma activa hasta 2006. La bautizaron, claro, a partir de un título de Jean-Luc Godard: Banda Aparte (Bande À Part, 1964).

* Como apuntamos en la entrada correspondiente, el famoso twist de Mia Wallace (Uma Thurman) y Vincent Vega (John Travolta) en Pulp Fiction está parcialmente inspirado en el baile improvisado entre Anna  Karina, Claude Brasseur y Sami Fey en Banda Aparte.

* Tarantino es un gran fan de Vivir Sin Aliento (Breathless, Jim McBride, 1983), el remake norteamericano de Al Final De La Escapada, protagonizado por Richard Gere y Valérie Kaprisky. Este título fue, de hecho, una de las influencias más poderosas al principio de su carrera. Tal como reconocería posteriormente, "he aquí una película que satisface completamente todas mis obsesiones: los tebeos, la música rockabilly y el cine". Vivir Sin Aliento fue, además, uno de los modelos claros en el abordaje del guión de True Romance, la historia de Tarantino dirigida por Tony Scott en 1993.

A Better Tomorrow 2 (John Woo, 1987)

Wensley Clarkson recoge la escena en su libro "Quentin Tarantino, Shooting From The Hip" (1996): una mañana, Quentin aparece por su puesto de trabajo en el videoclub Video Archives, en Manhattan Beach (California) vestido con un largo gabán negro y gafas de sol, balanceando además un palillo en la boca. Horas antes había visto la película hongkonesa A Better Tomorrow 2 (John Woo, 1987), y todavía estaba conmocionado por la presencia y chulería del personaje interpretado por Chow Yun Fat, una de sus estrellas orientales favoritas.

La imagen del grupo protagonista, ataviados con trajes y corbatas oscuros durante uno de los tramos más violentos de la película, sería volcado inmediatamente en el guión (todavía en ciernes) de Reservoir Dogs, convirtiéndose su principal seña de identidad.

La explosiva mezcla de elementos procedentes del spaghetti western y el noir francés convirtieron a A Better Tomorrow (primera y segunda parte) en la punta de lanza de un nuevo tipo de cine hongkonés de acción que iba a tener una profunda influencia en la construcción de un estilo Tarantino.

Como curiosidad, apuntaremos que otro homenaje directo a A Better Tomorrow 2 se filtró en el guión de Tarantino para Amor A Quemarropa (True Romance, Tony Scott, 1993) cuando la pareja protagonista, Clarence y Alabama, disfrutan en su apartamento de un pase televisivo de la película de John Woo.

The Street Fighter (Shigehiro Ozawua, 1974)

En el tramo inicial de Amor A Quemarropa (True Romance, Tony Scott, 1994), Clarence Worley, el personaje interpretado por Christian Slater, acude a un cine de sesión nocturna para ver la trilogía de artes marciales The Street Figher (Shigehiro Ozawua, 1974), protagonizada por uno de los iconos orientales de Quentin Tarantino: el actor japonés Sonny Chiba.

Diez años después del estreno de la película de Tony Scott, con guión del propio Tarantino, Quentin incluiría a Sonny Chiba en el reparto de Kill Bill Vol. 1, ofreciéndole uno de los papeles centrales del díptico: el personaje de Hattori Hanzô, el maestro samurai que construye la katana empuñada por La Novia (Uma Thurman).

A su vez, Hattori Hanzô es un nombre habitual en un buen puñado de tebeos manga y películas anime. Como curiosidad, añadiremos que hubo un Hanzô real en el siglo XVI, y que pasó a la historia como uno de los ninjas más conocidos de su época.